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Opera Omnia

Centro Nacional de las Artes / 2019

El Centro Nacional de las Artes (Cenart), en colaboración con la Rai (Radiotelevisione Italiana), presenta la muestra Opera Omnia, 60 reproducciones digitales de pinturas y frescos de tres grandes artistas del Renacimiento italiano: Giotto di Bondone (1267-1337), Piero della Francesca (1412-1492) y Sandro Botticelli (1446-1510).

Esta exposición reúne obras maestras del patrimonio cultural italiano que se encuentran en diferentes recintos y cuyo valor, monetario e histórico, hace imposible su traslado. Opera Omnia permite apreciar dichas piezas a través de reprografías en alta resolución y tamaño real, en las que incluso es posible percibir los detalles más pequeños por el efecto del paso del tiempo en los originales, lo que en muchas ocasiones es difícil de observar en los museos, frente a cada pintura.

La exhibición busca además difundir la importancia de dichas obras y proponer una reflexión sobre el Renacimiento y su influencia en la historia de la civilización y el arte. Este movimiento, que surgió en Europa Occidental se desarrolló aproximadamente desde finales de los siglos XIII hasta el XVI y se caracterizó por un auge en la cultura, la ciencia y la filosofía humanista, mientras que en el arte predominaron los ideales clásicos, la búsqueda de la belleza, el equilibrio y la armonía.

Los tres artistas cuyos lienzos se exhiben en el Cenart son representativos de este gran movimiento cultural que marcó el final de la época Medieval y el inicio de la Edad Moderna. Giotto es un ejemplo de esta transición, sus frescos presentan un lenguaje figurativo y un acercamiento temprano a la noción de perspectiva que perfeccionaron sus sucesores. Piero della Francesca se sitúa como transmisor de valores clásicos y en sus cuadros resaltan rasgos profundamente religiosos que adaptó de manera consciente a los modelos antiguos, mientras que Botticelli es un símbolo de la pintura italiana del siglo XV, con un dominio de la armonía y la perspectiva que conjuntó con el uso de significados religiosos y alegóricos, así como referencias a la mitología grecorromana que se han convertido en una característica principal de su legado.

En 2015, por primera vez en México se presentó: Leonardo, Rafael, Caravaggio: una muestra imposible. Las obras de arte en la era de la reproducción digital, la cual se consolidó como una de las exposiciones más emblemáticas y exitosas de las que ha presentado el Cenart en los últimos años. Opera Omnia busca dar continuidad a este tipo de actividades que acercan a todo el público las pinturas de los grandes maestros del Renacimiento.

En este contexto, también se presentará un amplio programa con diversas actividades paralelas que ofrecerá a los visitantes espacios de reflexión sobre las distintas temáticas en torno al movimiento cultural que surgió en Europa Occidental.

Las obras de arte
en la era de la
reproducción digital II

Opera Omnia, exposición que reúne 60 reproducciones en alta resolución y tamaño original de algunas de las pinturas más importantes del Renacimiento italiano, es una iniciativa en la que la tecnología digital actúa como poderosa herramienta de acceso a la cultura y el arte, posibilitando el acercamiento a obras maestras resguardadas en diversas partes del mundo, o que son imposibles de trasladar por su alto costo de gestión, administración y conservación.

La reproducción de obras de arte no es algo nuevo. Después de la invención de la fotografía, a inicios del siglo XX, se discutió en torno a estas reprografías como una práctica que desde un principio incidió en las formas de hacer y ver el arte. No obstante, una de las grandes limitantes de las imágenes que circulan a diario es que su calidad y tamaño son insuficientes para mostrar los detalles o la complejidad de los originales. En este contexto, la Radiotelevisione Italiana (Rai) tiene un proyecto mediante el cual crea réplicas en alta definición y tamaño real de importantes pinturas, a fin de que el público pueda apreciarlas de manera más completa y directa.

Para lograr estas reproducciones se combinan diferentes procesos, tanto analógicos como digitales. En la primera fase se lleva a cabo el registro de cada pintura en una diapositiva, a través de cámaras fotográficas de alta definición. El catálogo de imágenes se enfoca solo en la obra, dejando de lado elementos como los marcos o, en el caso de los frescos, parte de los muros; incluso se aumenta la iluminación para diferenciar la reprografía digital del original. La segunda fase consiste en realizar una reproducción fotográfica que se elabora a partir de la diapositiva original. Para esto se hace una copia digital de la fotografía en positivo, de tal forma que pueda manipularse desde una computadora y hacer la revisión del color. Después, esta copia digital se imprime con las medidas originales, utilizando una impresora láser de gran tamaño y muy alta resolución. En la última fase la impresión obtenida se pega sobre una superficie rígida y transparente, a fin de que permita proyectar luz desde su parte posterior, y de ese modo, genere el efecto visual característico de estas piezas.

A la fecha, diversas reproducciones logradas a través del proyecto de la Rai han recorrido ciudades de Italia, Estados Unidos y México, como una iniciativa que busca democratizar el arte y convertirlo en un medio de comunicación masiva. En este sentido, la idea de generar obras digitales de gran calidad que se trasladen a nivel mundial pretende difundir el conocimiento y la experiencia del arte, haciendo de la tecnología un recurso habitual e imprescindible para el acceso a la cultura.

Giotto di Bondone

Colle di Vespignano (cerca de Florencia),
Italia, c. 1267 - Florencia, 1337

BIOGRAFÍA |

Este artista, conocido simplemente como Giotto, creó un estilo propio que se caracterizó por una marcada exploración de los gestos y la expresión de diferentes emociones en sus personajes, dotándoles, además, de volumen en sus cuadros.

Entre 1288 y 1292 pintó los frescos sobre la historia de San Francisco en la Basílica Superior de Asís y alrededor de 1320 el Tríptico Stefaneschi, actualmente conservado en la pinacoteca vaticana. En 1328 diseñó el campanario de la iglesia de Santa María del Fiore, Catedral de Florencia, el cual ahora lleva el nombre de este pintor.

Su obra maestra, considerada el punto más alto del arte italiano del siglo XIV, es un ciclo de frescos que elaboró entre 1302 y 1305 para Enrico Scrovegni. En 1310, cuando Dante Alighieri menciona a Giotto en el Canto XI de La Divina Comedia se refería sin duda a esas pinturas que se encuentran en la Capilla de los Scrovegni, también conocida como la Capilla de la Arena, en Padua, Italia.

MÁS INFORMACIÓN |

Durante los siglos XIII y XIV, Giotto fue un artista que desarrolló una carrera de éxito ininterrumpido, testimoniada y celebrada por muchos. A finales de la Edad Media el contexto político y económico de la península italiana era inestable debido a la caída del Imperio romano de occidente (286 - 476); la gran mayoría de las regiones se encontraban divididas y tuvieron que pasar varios siglos para que Italia volviera a estar bajo una sola fuerza política y económica. La zona más estable era Roma, en el centro del territorio, donde se hallaba el poder religioso representado en el Papa, por lo que el culto tenía un papel fundamental en todos los ámbitos. Sin embargo, la península aún permanecía influenciada por Constantinopla, la capital del Imperio bizantino (330 - 1453), lo que le daba características muy diferentes al resto de Europa.

En este contexto, desde muy temprano Giotto se caracterizó por un lenguaje pictórico revolucionario y original que recuperó los estilos y descubrimientos de su época para plantear una nueva forma de entender la pintura, sentando las bases de la primera etapa del Renacimiento italiano. Se piensa que una de sus grandes influencias fue el arte gótico, que tomó fuerza principalmente en los países nórdicos y en Francia, a partir del siglo XII. Del arte gótico, este pintor florentino retomó el uso de emblemas para identificar a los diferentes personajes en las escenas sacras, así como la búsqueda por imitar con fidelidad la naturaleza y las emociones; de esta forma trasladó a sus obras las figuras llenas de vida de las esculturas góticas.

Pero quizá, el elemento que verdaderamente le permitió revolucionar la pintura por completo fue la recuperación de las técnicas y los descubrimientos de los maestros helenistas que se habían conservado en el arte bizantino. Por ejemplo, la búsqueda de un espacio pictórico en el que la disposición de los elementos mostrara profundidad y volumen en las figuras, técnica que, además, contrastaba fuertemente con las imágenes comunes de la Edad Media que se caracterizaban por aglomerar los cuerpos y diferentes momentos en el mismo cuadro. Así, aunque en las obras de Giotto el espacio pictórico todavía no está configurado según la perspectiva científica de Filippo Brunelleschi, que fue el distintivo por excelencia de las pinturas renacentistas, es evidente que este artista florentino recuperó el arte de crear la ilusión de profundidad sobre una superficie plana. Por esto se considera que provocó una transición acelerada entre el arte asociado a la época medieval y el arte pictórico del Renacimiento que tuvo su auge en Italia.

Piero della Francesca

Sansepolcro, en la Toscana, Italia, c. 1412 – Sansepolcro, 1492

BIOGRAFÍA |

En su momento de mayor fama, Piero di Benedetto dei Franceschi o Piero della Francesca, trabajó para familias adineradas como los Malatesta de Rímini y los Montefeltro de Urbino, así como para el Papa, en Roma.

Entre 1450 y 1451, durante su estancia en Rímini, pintó el Retrato de Segismundo Pandolfo Malatesta y el de San Segismundo y Segismundo Pandolfo Malatesta en el Templo Malatestiano. Al año siguiente, la familia Bacci lo contrató para llevar a cabo el ciclo de frescos sobre la Leyenda de la Vera Cruz en la Basílica de San Francisco, en la región de la Toscana, y en la década de 1460 realizó diversos cuadros para el conde Federico de Montefeltro, entre los que destacan El triunfo del duque de Urbino y Pala de Brera. Sin embargo, se considera que el máximo esplendor de su obra lo logró en la Virgen del Parto, considerada una de las pinturas más representativas del arte renacentista.

En su madurez, este artista se enfocó en profundizar en la teoría matemática y geométrica y escribió los textos: De prospectiva pingendi, Libellus de quinque corporibus regularibus y el Trattato d’abaco con la intención de aplicar las teorías matemáticas a la pintura.

MÁS INFORMACIÓN |

En pleno siglo XV, Piero della Francesca conjugó los elementos distintivos de la pintura del Renacimiento (perspectiva, simetría y geometría), para lograr la belleza y la armonía en sus cuadros. Por esta razón su trabajo se ha convertido en una referencia importante para comprender el arte renacentista. Incluso se considera que con sus obras este movimiento cultural alcanzó un proceso de autoconciencia y de síntesis en el que la reflexión teórica, en especial la que se relacionaba con el pensamiento científico, se volvió parte fundamental de la práctica artística y se puso al servicio de la representación de la belleza.

Este artista es calificado como uno de los principales pintores matemáticos, junto con Leonardo Da Vinci, ya que muchas de sus investigaciones se orientaron a resolver problemas de esta ciencia exacta relacionados con el arte que dominaba. Uno de los temas de mayor relevancia para el arte renacentista fue la perspectiva matemática; método descubierto por Filippo Brunelleschi, arquitecto y escultor florentino, que consistía en realizar, dentro de cada composición, una correcta representación de las imágenes en tres dimensiones, aportando profundidad y volumen a los cuadros. Este procedimiento provocó una profunda reflexión, tanto en el arte como en la ciencia, sobre cómo el ojo humano percibe y reacciona ante el comportamiento de la luz y las formas.

El interés de Piero della Francesca por la perspectiva fue tal que lo llevó a redactar sus propios tratados matemáticos acerca de éste y otros temas. De prospectiva pingendi, escrito alrededor de 1480, es también una declaración de principios sobre el carácter científico de la pintura, pensamiento que influyó particularmente a los artistas de la época.

Otro de los aspectos en los que se enfocó fue la relación entre el cuerpo humano, la naturaleza y la arquitectura. La composición de sus obras se centraba en crear un equilibrio geométrico en el que muchas veces el cuerpo de una virgen o de los santos se mostraba en dimensiones extraordinarias para representar la estructura de los templos, algo que, en su tiempo, fue muy novedoso y revelador.

Sandro Botticelli

Florencia, Italia, 1446 – Florencia, 1510

BIOGRAFÍA |

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, conocido como Sandro Botticelli, comenzó su etapa de aprendizaje con el fraile pintor Filippo Lippi y en 1472 se inscribió a la Compañía de San Lucas, gremio que reunía a los artistas florentinos.

Sus clientes fueron las grandes familias de su ciudad natal: los Soderini, Pucci y Vespucci, aunque principalmente trabajó para los Médici, quienes le comisionaron elaborar las obras que actualmente son las más conocidas de su legado, como El estandarte – ahora perdido-, La Primavera y El Nacimiento de Venus, estas dos últimas conservadas en la Galería Uffizi, en Florencia, Italia.

En 1481, el papa Sixto IV lo invitó a Roma para pintar en la Capilla Sixtina los frescos: La tentación de Cristo, Tentaciones de Moisés y Castigo de los rebeldes, así como 11 figuras de otros pontífices en la franja superior del mismo oratorio.

Después de 1487 Botticelli aumentó su fervor religioso influenciado por el monje dominico Girolamo Savonarola, quien fue quemado en la hoguera en 1498, lo que acentuó el tono profético y apocalíptico en sus pinturas. Ejemplos de este periodo son Crucifixión y La Natividad Mística, ésta última su único cuadro con fecha y firma.

MÁS INFORMACIÓN |

La carrera de Sandro Botticelli se desarrolló principalmente en la segunda mitad del siglo XV, periodo que se conoce como el Quattrocento y que se considera el momento más representativo del Renacimiento italiano, en el que el arte se caracterizó por atributos estéticos propios, claramente distintos a los de la etapa anterior, como la búsqueda de la belleza, el uso de la perspectiva y la importancia del cuerpo humano.

En particular, sus obras muestran una fuerte influencia de su maestro Filippo Lippi, quien hasta su muerte (1469), generó una vasta producción y reunió el legado de Masaccio (1401 - 1428), un pintor que, pese a una breve carrera, logró plasmar los elementos claves del Renacimiento; siendo el primero en utilizar la perspectiva y proponer una disposición equilibrada de los cuerpos en el espacio pictórico, convirtiéndose así en una gran inspiración para otros artistas de la misma época.

El humanismofue una corriente de pensamiento que también influyó fuertemente en los intelectuales y artistas que, como Botticelli, formaban parte del círculo de las familias más poderosas de Italia, como los Médici. Esta ideología buscaba recuperar la sabiduría de los mitos y de la filosofía antigua de Grecia y Roma, en las que se planteaba al hombre como referencia para comprender al universo y se entendía la belleza en relación con la verdad y la naturaleza. En este contexto, además del uso de la perspectiva y otros elementos estilísticos renacentistas, las creaciones de Botticelli se distinguen por recuperar componentes de la mitología y utilizarlos para referirse a cuestiones morales. En este tiempo la representación del cuerpo humano se volvió un aspecto central de la pintura porque reflejaba la idea humanista de que la imagen del hombre es la pauta y referencia para la belleza.

Así, en sus obras se aprecia la importancia de los paisajes naturales en contraste con una representación armónica de los cuerpos y ropajes en movimiento. Sin embargo, a diferencia de otros artistas del mismo periodo que pintaban los cuerpos humanos anatómicamente perfectos, en sus cuadros es notorio que la prioridad era la capacidad de su técnica para destacar los atributos simbólicos y la importancia de generar una armonía en sus composiciones. La belleza de los cuerpos no estaba en el parecido con la realidad, sino en la representación de los ideales de belleza y armonía, así como en establecer un discurso moral mediante los símbolos y las alegorías utilizadas en la imagen.

línea del tiempo

El Renacimiento es una época histórica muy amplia, que abarca varias centurias, desde finales del siglo XIII, cuando se empezaron a romper los paradigmas de la Edad Media, hasta el siglo XVI, cuando los artistas se inclinaron por un estilo conocido como Manierismo y se registró una transformación cultural que se conoce como el periodo Barroco.

Esta línea de tiempo es una herramienta para comprender este periodo tan amplio y complejo. Se enfoca principalmente en los años en que Giotto, Piero della Francesca y Botticelli vivieron y desarrollaron su carrera, haciendo énfasis en los momentos en los que crearon algunas de sus obras más reconocidas. Además, muestra también algunos de los sucesos históricos más representativos de la etapa comprendida entre el siglo XIII y el XVI, tanto en Europa como en América, para dar un panorama general del contexto en el que se produjeron las pinturas que se exponen en esta muestra

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Audiovisuales

Opera Omnia. Las obras de arte en la era de la reproducción digital II forma parte de un proyecto de la Rai (Radiotelevisión Italiana) que genera reproducciones digitales de las grandes obras del Renacimiento italiano para realizar exposiciones internacionales de gran envergadura. Las reprografías se logran a partir de un registro fotográfico en alta resolución de gran cantidad de pinturas que luego son impresas en su tamaño original y trasladadas al lugar o país de su exhibición. Este video ofrece la posibilidad de acercarse al proceso de selección, registro y reproducción de las obras, narrado por las personas que han estado involucradas desde el principio, y de esta forma permite escuchar de primera mano las motivaciones, los objetivos y las dificultades que han surgido en las diferentes etapas de este gran proyecto.

Glosario

A| C| D| E| F| G| H| J| L| M| O| P| Q| R| T|

A

  • Ars Nova |

    forma musical del Medioevo utilizada entre 1440 y 1450, que también influyó en la música posterior. Las obras que se componían con base en ella se presentaban en grandes ceremonias, como bodas reales, dedicaciones a catedrales, coronaciones papales o firmas de tratados de paz. Después de 1450 desapareció, pero sus características permanecen en las misas cíclicas.
  • Arte Bizantino |

    se desarrolló durante el Imperio bizantino (395 d.C. - 1453). La arquitectura de este tipo se caracterizó por amplias bóvedas, el diseño de grandes espacios curvos bajo las cúpulas y largas columnas, mientras que las imágenes sacras se representaban mediante mosaicos colocados directamente en las paredes, con una clara disposición simétrica y gran luminosidad, así como el predominio del uso del oro y el color dorado.
  • Arte Gótico |

    es un estilo que siguió al arte románico y que en la arquitectura se identifica por arcos apuntados o puntiagudos, principalmente en los recintos religiosos. Aunque se inició en el siglo XII, posteriormente se utilizó para definir un periodo histórico que abarca hasta el siglo XV y que se caracterizó por un movimiento pictórico y escultórico de gran expresividad, centrado en aportar una experiencia vívida de los relatos sacros y de las lecciones morales de la Iglesia.
  • Arte Medieval |

    pertenece a la Edad Media, desde el siglo IV hasta principios del XV. El arte que se produjo en este periodo se caracterizó por un lenguaje religioso que reflejaba el poder de las dos grandes doctrinas de entonces: el cristianismo y el islamismo. A partir del siglo VI se desarrolló el arte islámico en Medio Oriente, África y España. Posteriormente, en el centro de Europa floreció el estilo románico en la arquitectura y el arte, mientras que en la zona del Mediterráneo oriental surgió el arte bizantino entre los siglos VI y XV. En las regiones germánicas, en tanto, la arquitectura y la escultura adquirieron gran importancia, lo que originó el nacimiento del estilo gótico entre el siglo XII y el XV.
  • Arte Sacro |

    Se denomina así a las producciones artísticas cuya finalidad es rendir culto a lo sagrado o divino. Aunque este tipo de manifestaciones culturales están presentes en diversas regiones y periodos, los ejemplos de arte sacro más conocidos se realizaron en el Medioevo y el Renacimiento en el marco de la religión católica o del Islam, para las iglesias y mezquitas de ese tiempo.

C

  • Cinquecento |

    en castellano significa quinientos y se denomina así al periodo subsecuente al Quattrocento, que se caracterizó por la inspiración en la antigüedad clásica. En el siglo XVI la influencia del movimiento renacentista llegó a toda Europa y el centro de producción más importante se desplazó de Florencia a Roma, ya que los pontífices fueron los grandes mecenas de los artistas renacentistas de entonces. El Quattrocento se identifica con lo que muchos denominan el Bajo Renacimiento.
  • Colle di Vespignano |

    pequeña localidad italiana que actualmente se llama Vicchio y que se localiza en la región de la Toscana. Es el lugar donde nació el pintor Giotto di Bondone.
  • Cristología |

    también llamado ciclo cristológico o año litúrgico, es el periodo entre la Navidad y la Pascua, cuya duración es de 33 semanas. Se concentra en la adoración del nacimiento, muerte y resurrección de Jesucristo. Empieza con el Adviento, anunciando la llegada de Jesús, y termina con la fiesta de Pentecostés, cuando, según la Iglesia, empieza la historia de la humanidad y de las almas salvadas por Cristo.

D

  • Dante Alighieri (1265 - 1321) |

    poeta nacido en Florencia, Italia. Se casó y procreó cuatro hijos. Durante varios años se dedicó a la política y llegó a ser miembro del Consejo Especial del Pueblo y del Consejo de Ciento, dos poderes del gobierno, además de ser uno de los jueces que elegían a los priores o cónsules. En 1300 fue electo como uno de los seis magistrados más importantes de Florencia y poco después fue enviado como embajador a Roma para proponer un tratado de paz. Sin embargo, al llegar a la capital italiana fue apresado, condenado a un exilio de dos años y a pagar una cuantiosa multa que no pudo saldar, por lo que fue exiliado de por vida y condenado a muerte si regresaba a Florencia. Murió en la norteña localidad italiana de Rávena, a los 56 años, poco después de terminar La Divina Comedia, considerada su obra magistral.

E

  • Escorzo |

    representación de las imágenes que se localizan en sentido perpendicular u oblicuo al plano del lienzo o papel sobre el que se pinta, de tal forma que se logra el efecto de tres dimensiones en una superficie plana.
  • Escuela de Vittorino da Feltre |

    fue la primera escuela de música con internado de Europa que acogió a los nobles y a algunas personas fuera de la corte que mostraban habilidades, con excepción de las mujeres. Se localizaba en Mantua, Italia, en 1424. Esta institución difundió la idea de que la música “moderna” debía imitar a la antigua, lo que tuvo muchas implicaciones para la música de los siglos posteriores.

F

  • Familia Médici |

    esta estirpe o casta ejerció un papel fundamental en el desarrollo económico, político y cultural de Florencia durante el Renacimiento. Cosme de Médici, a quien se considera el fundador de esta dinastía, se dedicó a la banca, lo que le permitió obtener gran poder político. La mayoría de los Médici se inclinaron también al mecenazgo, patrocinando a pintores como Piero della Francesca, Donatello, Miguel Ángel, Botticelli, Leonardo da Vinci y Rafael. Entre los miembros más destacados de esta familia están los papas León X, Clemente VII y León XI, las reinas Catalina de Médici y María de Médici, así como Lorenzo el Magnífico.
  • Federico de Montefeltro (1422 - 1482) |

    fue duque de la ciudad de Urbino, localidad a la que ayudó a sobresalir, aportándole prestigio durante el Renacimiento. Su carrera como mercenario empezó a los 16 años, trabajando bajo el mando del rey de Nápoles, el Papa Pío III y la familia Médici. Ya en su madurez contrató a Piero della Francesca para que realizara retratos de él y su esposa, así como pinturas con temas eclesiásticos.
  • Figura alegórica |

    alegoría deriva del latín allegoria. Es la representación de una idea abstracta a partir de figuras, atributos y cuerpos. En el arte se utiliza para personificar y comunicar los vicios, virtudes y valores a través de imágenes fáciles de asimilar.
  • Filippo Brunelleschi (1377 - 1446) |

    arquitecto, escultor, pintor y orfebre florentino. Se considera que junto a León Battista Alberti, Donatello y Masaccio fundó el estilo renacentista y que gracias a sus profundos conocimientos matemáticos formuló las leyes de la perspectiva, punto clave en las pinturas del Renacimiento. Es conocido por su trabajo en la cúpula de la Catedral de Florencia.
  • Florencia: |

    ciudad ubicada en el norte de la región central de Italia. Fue fundada por Julio César en 59 a. C. Durante el Renacimiento fue la cuna de artistas como Giotto, Botticelli y Miguel Ángel, lo que causó una oleada artística, literaria y científica que marcó un parteaguas en la historia del arte.

G

  • Geometría |

    es el estudio de las propiedades y magnitudes de las figuras en un plano o en el espacio. En el arte es la presencia implícita de formas geométricas que aportan una serie de normas para la composición, como la proporción, simetría y la perspectiva.
  • Guillaume Dufay (1397 - 1474) |

    músico y compositor renacentista, originario de Bruselas. Desde joven llegó a Italia para servir como compositor en la corte de la familia Malatesta, que gobernó las ciudades de la costa de Italia. En 1427 fue ordenado sacerdote por el cardenal Luis Alemán y en 1428 se convirtió en cantante de la capilla papal de Martín V. En 1433 fue designado maestro de coro en la corte de Saboya, donde produjo sus primeras canciones profanas de estilo tardío. Fue un músico muy importante de su tiempo, a pesar de que hacia 1500 sus obras prácticamente se habían olvidado por completo.

H

  • Humanismo |

    movimiento intelectual que se desarrolló durante el siglo XV. Se caracterizó por la revalorización de la dignidad del hombre y el resurgimiento de la Antigüedad clásica. Los pensadores humanistas no se limitaron al conocimiento de la teología, sino que introdujeron el estudio de las ciencias humanas y, sobre todo, las letras clásicas como el latín y el griego. Con la invención de la imprenta los escritos de los humanistas llegaron a muchos territorios europeos. Erasmo de Rotterdam, Tomás Moro, Antonio de Nebrija y Juan Luis Vives son algunos de los representantes de esta corriente.

J

  • Johannes Ciconia (c. 1370 – 1412) |

    músico y compositor renacentista. Su nombre completo era Magister Johannes Ciconia de Leodio. Nació en Bélgica y en su juventud se trasladó a Italia, donde se convirtió en cantor de la Catedral de Padua. Con él inició una creciente migración de músicos y compositores a Italia que duró casi dos siglos. Ciconia dominaba los dos estilos más importantes de la época, tanto el lírico de la Edad Media en Francia, como el de la música italiana.

L

  • La Divina Comedia |

    poema escrito por Dante Alighieri entre 1304 y 1321, considerado una obra maestra de la literatura universal. Se divide en 3 partes: Infierno, Purgatorio y Paraíso, y cada una tiene 33 cantos. Todo el poema se ordena de acuerdo con el simbolismo del número 3, como la Santísima Trinidad (Dios Padre, Hijo y Espíritu Santo). Alighieri tituló sus versos como Comedia y fue el escritor y humanista Giovanni Boccaccio quien añadió el adjetivo Divina. Pintores como Botticelli, Gustave Doré, Domenico di Michelino y Salvador Dalí ilustraron escenas de La Divina Comedia (título en español).
  • Lírica renacentista | a partir del siglo XVI los poetas utilizaron los versos, estrofas y subgéneros poéticos como canción, epístola, oda y égloga. Se enfocó en el enaltecimiento del amor cortés, la belleza, el antropocentrismo, la naturaleza, la mitología y el uso de la métrica.
  • Lorenzo de Médici (1449-1492) | diplomático, banquero, escritor y poeta florentino renacentista que, gracias a su interés en las artes, se convirtió en uno de los más grandes mecenas de todos los tiempos. Fue conocido como Lorenzo el Magnífico, ya que atrajo a los más prestigiosos pintores y escultores del momento y estuvo interesado en la restauración de piezas antiguas como las de Donatello. Sandro Botticelli, Miguel Ángel, Rafael Sanzio y Leonardo da Vinci son algunos de los artistas que estuvieron a sus órdenes, permitiendo que la colección de arte de la familia Médici, además de ampliarse, llegara a ser una de las más valoradas en la historia. Otro de sus grandes logros fue la creación del “jardín de la escultura” para el que contrató como maestros a los aprendices más talentosos. Murió el día y el año en que Cristóbal Colón descubrió América.

M

  • Mandorla |

    palabra de origen italiano que significa almendra. Se refiere al marco o aureola en forma oval, o con forma de almendra, en el que los artistas insertan personajes sagrados, siendo los más frecuentes Jesucristo y la Virgen María. Estos marcos fueron utilizados recurrentemente en el arte románico y gótico.
  • Magnificat |

    es un canto católico que según el evangelio de San Lucas dirigió la Virgen María al Señor cuando ella visitó a su prima Isabel y que se recita de acuerdo con una fórmula melódica llamada tono salmódico. En el siglo XV y XVI los compositores se concentraron en esta parte de la liturgia y en su mayoría la escribían como un canto llano, es decir, que solo utiliza voz.
  • Misa Cíclica |

    género musical de la Edad Media y el Renacimiento que formaba parte de la liturgia o misa, compuesta de cinco movimientos: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei. La estructura de la misa ayuda a entender la de la música de esta época, ya que casi todas las composiciones que se escribían entonces eran para los espacios sacros. Algunas partes de estas obras musicales se cantaban como canto llano y otras solo se recitaban o entonaban en una sola nota. Fue más tarde, ya bien entrado el Renacimiento, que se empezaron a utilizar las polifonías en la música religiosa. A principios del siglo XV los compositores se interesaron en lograr la unidad en los cinco movimientos, por lo que recurrieron a motivos que se repetían en cada movimiento.

O

  • Opera Omnia |

    es una locución italiana que en español significa “obras completas” y que se usa para referirse a todo el catálogo o producción de un artista. En la exposición que se presenta en el Cenart alude al proyecto que digitaliza y presenta piezas de artistas del Renacimiento de una forma inusual, en la que en un mismo espacio pueden convivir pinturas que de otra forma solo sería posible apreciar por separado, en los diversos lugares donde se encuentran. Esta exhibición presenta frescos y retablos, como muestra de las obras completas de un artista, a través de los cuales se puede apreciar las diferentes etapas y estilos de cada pintor. La exhibición se titula Opera Omnia a pesar de que no se presenta el total de las obras de cada artista.
  • Orfebrería |

    es el arte de labrar objetos de oro, plata y otros metales preciosos, o de aleaciones de ellos. Se llama orfebres a los artesanos y artistas que se dedican a esta profesión.

P

  • Pala |

    vocablo de origen italiano que describe cualquier pintura realizada sobre tabla o, en su defecto, sobre un soporte duro. A menudo se usa como sinónimo de retablo.
  • Perspectiva |

    sistema de representación pictórica que reproduce la profundidad del espacio en una superficie plana. En la pintura renacentista se desarrolló una técnica depurada que recuperaba los principios matemáticos para lograr representar, a la vista del espectador, una imagen en tres dimensiones, así como espacios que mostraran cercanía y lejanía para imitar la realidad.
  • Predela |

    parte inferior horizontal de un banco o una banca de retablo. En general es la plataforma sobre la que se asienta un altar, de ahí que se conozca con el mismo nombre a las pinturas o esculturas que están en la parte inferior del retablo. A menudo son escenas narrativas, por ejemplo, de la vida de Jesús o de un santo en particular.

Q

  • Quattrocento |

    En castellano cuatrocientos, es el periodo del Renacimiento italiano que abarca el siglo XV (1400-1499). En esta época queda establecido el fin de la Edad Media. También, comienza la valoración del humanismo, dando como resultado la representación de la figura humana como tema, y tratando de imitar la anatomía, profundidad, proporción y la perspectiva. Florencia logró colocarse como máximo exponente artístico de este periodo.

R

  • Renacimiento |

    designa un movimiento de renovación cultural y artística que surgió en el siglo XV en Italia y se extendió por toda Europa durante el siglo XVI. El término se refiere al redescubrimiento de la antigüedad grecorromana, que se tomó como referencia para el desarrollo del arte y la cultura de ese periodo. Esta recuperación se debió, en parte, al estudio de los restos arqueológicos de la cultura romana que comenzó por esos años. Por otra parte, esta etapa se considera el inicio de la Modernidad, ya que se caracterizó por un acelerado desarrollo de centros urbanos en los que aparecieron los grandes mecenas que financiaron a los artistas de la época. En el arte y la filosofía se manifiestan claramente los ideales renacentistas y humanistas, así como la necesidad de recuperar la imagen de la naturaleza y la belleza y el uso de principios matemáticos como la proporción, la armonía, la simetría y la perspectiva matemática.
  • Reprografía |

    reproducción de documentos o imágenes mediante diversos medios, como la fotografía o el microfilme.

T

  • Técnicas pictóricas|



    Fresco:
    Es una técnica pictórica que se realiza en paredes y techos, utilizando colores disueltos en agua que se aplican sobre una superficie en la que el yeso esté todavía fresco (de ahí su nombre).

    Lienzo: Es un soporte pictórico que se emplea desde hace más de medio milenio, y que se realiza tradicionalmente de algodón, lino o cáñamo.

    Temple: La pintura al temple es la técnica pictórica más antigua que se conoce. Consiste en disolver los pigmentos naturales en agua, y templar o engrosar con huevo, caseína, goma o una solución de glicerina para poder aplicarlos sobre una superficie previamente revestida con una capa de tendido “seco” de yeso.

    Óleo: Técnica pictórica que consistente en mezclar los pigmentos con un aglutinante a base de aceites, normalmente de origen vegetal. Se denominan óleos a las pinturas ejecutadas mediante esta técnica, que admite soportes de muy variada naturaleza: metal, madera, piedra, marfil, aunque lo más habitual es que sea aplicado sobre lienzo o tabla.
  • Trecento |

    palabra italiana que en español significa trescientos y que corresponde al periodo que abarca el siglo XIV (1300 - 1399). Se utiliza para designar la última etapa del arte medieval, cuando se registran las primeras manifestaciones del Renacimiento gracias al trabajo de artistas como Giotto, Dante, Petrarca y Duccio. De hecho, Giotto representa una renovación pictórica que se convirtió en las bases del arte renacentista del Quattrocento.

Programa

Actividades complementarias 2019 durante la exposición:
Opera Omnia. Las obras de arte en la era de la reproducción digital II

FORO

Opera Omnia. Una mirada al Renacimiento: lecturas y conversaciones


La coordinación de Exposiciones del Centro Nacional de las Artes llevará a cabo este foro de discusión en torno al Renacimiento, a fin de motivar una lectura contemporánea del movimiento cultural y científico que tuvo lugar aproximadamente entre el siglo XIII y el XVI.

Mediante cinco sesiones se propondrá un diálogo sobre la influencia que tuvo el Renacimiento en el desarrollo de épocas posteriores, ya que en la actualidad se considera un punto de referencia para comprender la historia del pensamiento occidental.

Cada sesión será guiada por un especialista que compartirá sus investigaciones en torno a este periodo, en ámbitos como la literatura, la filosofía o la ciencia, por ejemplo, así como su visión acerca de la nueva perspectiva que aportan las imágenes digitales en el arte y la difusión de la cultura.

El objetivo principal de este foro es promover un acercamiento al Renacimiento que actualice las discusiones sobre este periodo, de tal forma que el diálogo enriquezca la experiencia del público y posibilite una mirada contemporánea del contexto histórico en el que se elaboraron las obras que integran la muestra que se presenta en las galerías del Cenart.

SESIÓN I.
Y sin darnos cuenta, dejamos de ser el centro del universo.
El conocimiento científico entre los siglos XII y XVI


Uno de los ámbitos que sufrieron más transformaciones entre los siglos XII y XVI fue el conocimiento científico, que se encontraba muy vinculado al pensamiento filosófico. Así, la ciencia, la medicina, la astronomía y otras disciplinas permitieron una nueva perspectiva del quehacer humano y ampliaron de manera importante la comprensión del universo. Además, la recuperación y desarrollo de las matemáticas influyó en la transformación de las prácticas pictóricas y el arte.

En esta sesión se presentará un panorama general del desarrollo científico en el periodo antes mencionado y en particular se abordará la influencia del pensamiento científico en la forma cómo el hombre se relaciona con su entorno y cómo esto ha cambiado en diferentes épocas, así como la incidencia de los descubrimientos e innovaciones en la manera de comprender las prácticas científicas en el presente.

Jueves 28 de marzo | Galería Manuel Felguérez | 19:30 h | Entrada libre, cupo limitado | Para público mayor de 15 años | Previo registro en operaomnia@cenart.gob.mx

Invitado: Dr. José Ernesto Marquina Fábrega (UNAM)
Físico por la Facultad de Ciencias de la UNAM. Doctor en Humanidades por la UAM-I. Profesor en el Departamento de Física de la Facultad de Ciencias de la UNAM. Dedicado al estudio de la Revolución Científica en los siglos XV y XVI, con énfasis en el discurso de Isaac Newton.

Transmisión en vivo: https://interfaz.cenart.gob.mx/video/actividades-opera-omnia-2019/
SESIÓN II.
Verrocchio, heredero de la tradición pictórica de Giotto y maestro de los artistas más prominentes de finales del Quattrocento florentino


Giotto di Bondone fue uno de los artistas florentinos más grandes, en especial porque fue capaz de combinar los conocimientos y las técnicas pictóricas que se desarrollaron en su tiempo para crear un estilo propio que se caracterizó por la incursión del uso de la perspectiva en sus frescos, así como la exaltación de las emociones en los gestos de los personajes de sus cuadros.

En esta sesión se abordará la tradición pictórica del Quattrocento florentino desde una perspectiva interdisciplinaria, a partir de la comprensión de las técnicas y materiales que utilizaban los artistas, como los pigmentos y los lienzos. Así, partiendo de un acercamiento a la historia, la arqueología, la arquitectura y la restauración, se planteará una reflexión acerca del contexto de producción de estas obras y de las relaciones económicas y sociales durante este periodo y su influencia en el presente.

Jueves 4 de abril| Aula Magna José Vasconcelos | 19:00 h | Entrada libre, cupo limitado | Para público mayor de 15 años | Previo registro en operaomnia@cenart.gob.mx

Invitada: Dra. Alejandra González Leyva (UNAM)
Doctora en Historia del Arte, profesora e investigadora de tiempo completo en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Especialista en estudios del arte clásico de la antigüedad y del Renacimiento; del arte europeo de los siglos XVII y XVIII, y del arte novohispano.

Transmisión en vivo: https://interfaz.cenart.gob.mx/video/actividades-opera-omnia-2019/
SESIÓN III.
Mirada y emotividad en la obra de Giotto di Bondone


Uno de los aspectos históricos más difíciles de conocer es el de la vida cotidiana, las costumbres y tradiciones que existían durante el Renacimiento, ya que en general no existen registros detallados sobre esta información. Aunque el estudio de otros ámbitos, como las prácticas médicas o las imágenes de la enfermedad y el cuerpo ayudan a comprender la vida cotidiana de los que vivieron en ese momento de la historia.

En esta sesión se hablará de la imagen del cuerpo en relación con la salud y la enfermedad entre los siglos XIII y XVI y se planteará la posibilidad de abordar desde una perspectiva de género las reflexiones en torno a la figura femenina en el arte de esa época.

Jueves 11 de abril| Aula Magna José Vasconcelos | 19:00 h | Entrada libre, cupo limitado | Para público mayor de 15 años | Previo registro en operaomnia@cenart.gob.mx

Invitada: Dra. Ana Ortiz Islas (UNAM)
Doctora en Historia y Civilizaciones por la Escuela de Altos Estudios en Ciencias Sociales (EHESS), de París, Francia. Sus líneas de investigación son la Historia de la salud en la Nueva España y el Arte, Imágenes de la salud y enfermedad en Occidente, el Arte del Renacimiento, Arte del México Virreinal y la Museología.

Transmisión en vivo: https://interfaz.cenart.gob.mx/video/actividades-opera-omnia-2019/
SESIÓN IV.
Renacimiento, visualidad, postinternet


En la actualidad, la posibilidad de circulación y difusión de las imágenes plantea una reflexión sobre el modo en que la sociedad contemporánea se relaciona con la práctica artística, así como con el legado histórico de periodos tan significativos como el Renacimiento. En este sentido, el proyecto de la Radiotelevisione Italiana (Rai), busca la creación de acervos digitales de obras antiguas para divulgar la cultura italiana alrededor del mundo, generando un fenómeno que esta empresa denomina “democratización del arte”.

En esta sesión se partirá de los estudios visuales, culturales y la historia del arte para plantear una reflexión crítica a la tendencia de las instituciones culturales de promover la circulación de las imágenes como una forma de generar un relato específico de la historia del arte y de la historia cultural del mundo occidental. Asimismo, se cuestionará el papel de los acervos, así como el uso de las tecnologías digitales para la construcción, circulación e incluso conservación de las imágenes del pasado.

Jueves 25 de abril | Galería Manuel Felguérez | 19:00 h | Entrada libre, cupo limitado | Para público mayor de 15 años | Previo registro en operaomnia@cenart.gob.mx

Invitado: Fernando Monreal
Doctor en Historia del Arte por la UNAM. Estudió Licenciatura y Maestría en Filosofía en la UAM y en la UNAM, respectivamente. Fue asesor académico del Seminario Internacional de Arte y Tecnología.

Transmisión en vivo: https://interfaz.cenart.gob.mx/video/actividades-opera-omnia-2019/
SESIÓN V.
Explorando al hombre. Neoplatonismo, astrología y magia en el Renacimiento


El Renacimiento se caracterizó por una gran influencia del pensamiento humanista, que proponía recuperar los modelos de la antigüedad grecolatina y postulaba que la perspectiva humana era el punto de partida para la comprensión del universo, y por lo tanto, para la construcción del conocimiento, el arte y la filosofía.

Esta sesión busca explorar diferentes aspectos del pensamiento renacentista que tuvieron una estrecho vínculo con la filosofía humanista, como la magia, la alquimia, el erotismo, la literatura y la ciencia, así como su relación con la vida cotidiana. Esto con el propósito de aportar una perspectiva de la importancia de estas prácticas en el desarrollo de ese momento histórico y la influencia que tuvieron en la comprensión del universo y en las formas de hacer arte.

Miércoles 8 de mayo |Aula Magna José Vasconcelos | 19:00 h | Entrada libre, cupo limitado | Para público mayor de 15 años | Previo registro en operaomnia@cenart.gob.mx

Invitado: Dr. Ernesto Priani (UNAM)
Cursó Licenciatura y Posgrado en la UNAM. Es profesor de Licenciatura y Posgrado en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Entre sus publicaciones figura: De espíritus y fantasmas. Teoría de la sensibilidad y ética en el Renacimiento, así como El libro del placer, magia y hermetismo.

Transmisión en vivo: https://interfaz.cenart.gob.mx/video/actividades-opera-omnia-2019/

CICLO DE CINE COMENTADO

Busca abrir un espacio de reflexión sobre la vida y pensamiento de los artistas renacentistas, así como del contexto en el que se desenvolvieron. La siguiente selección de películas y documentales aborda el Renacimiento desde diferentes perspectivas, así como su legado y contexto.

El Decamerón (1971)

Director: Pier Paolo Pasolini

Duración: 112 min

Acervo de la Biblioteca de las Artes

Adaptación cinematográfica de algunas de las historias del libro de Giovanni Boccaccio. Incluye el relato de un discípulo del pintor Giotto, quien recibió la encomienda de realizar un fresco en una iglesia. Se recrea la obra El juicio final en un sueño que tuvo el pintor.

Martes 26 de marzo | 17:00 h | Salón de Usos Múltiples de la Biblioteca de las Artes | Entrada libre, cupo limitado | Para público mayor de 15 años
El Evangelio según San Mateo (1964)

Director: Pier Paolo Pasolini

Duración: 131 min

Acervo de la Biblioteca de las Artes

Retrata la historia de Jesús, desde su nacimiento hasta su resurrección. Su vida, pasión y milagros confluyen en una obra que toma como partida el Evangelio de San Mateo. El vestuario y la ambientación se inspiran en las pinturas del Quattrocento, en particular en los frescos de Piero della Francesca que se localizan en Basílica de San Francisco de Arezzo.

Miércoles 10 de abril | 17:00 h | Salón de Usos Múltiples de la Biblioteca de las Artes | Entrada libre, cupo limitado | Para público mayor de 15 años
Summa pictórica. El Renacimiento italiano (1999)

Documental

Duración: 60 min

Acervo de la Biblioteca de las Artes

En las ciudades y talleres de Italia se fijaron las bases de la pintura moderna. Surgieron escuelas, pintores y obras durante el Quattrocento, destacado periodo del arte europeo que tuvo lugar en el siglo XV. Asimismo, se le dio un tratamiento muy especial a la pintura mural llamada al fresco, por ser una de las técnicas características que distinguen al arte italiano de esa época.

Miércoles 17 de abril | 17:00 h | Salón de Usos Múltiples de la Biblioteca de las Artes | Entrada libre, cupo limitado | Para público mayor de 10 años
Las aventuras del Barón de Munchausen (1988)

Director: Terry Gilliam

Duración: 126 min

Acervo de la Biblioteca de las Artes

Narra las hazañas de Karl Friedrich Hyeronimus, un oficial alemán que vivió en el siglo XVIII, combinando el mundo real y el imaginario. Reseña, entre otras cosas, sus aventuras en la luna, en el inframundo y su encuentro con los dioses Vulcano y Venus. En una escena se recrea la obra El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli.

Miércoles 22 de mayo | 17:00 h | Salón de Usos Múltiples de la Biblioteca de las Artes | Entrada libre, cupo limitado | Para todo público

VISITAS GUIADAS

A partir de un contexto general de la pintura italiana del Renacimiento se explicará cómo los artistas Giotto, Piero della Francesca y Botticelli lograron desarrollar teorías sobre la perspectiva, la geometría y la mitología, las cuales quedaron plasmadas en sus obras

Estas visitas, a cargo de la Coordinación de Exposiciones, serán generales y con una duración máxima de 90 min

Sábado 6 y 20 de abril
Sábado 4, 18 y 25 de mayo (Para estas visitas se requiere registro previo en operaomnia@cenart.gob.mx )
Sábado 1, 8 y 15 de junio (Para estas visitas se requiere registro previo en operaomnia@cenart.gob.mx )
Domingo 2 y 9 de junio (Para estas visitas se requiere registro previo en operaomnia@cenart.gob.mx )


12:00 h| Punto de encuentro: Entrada de la Galería Central | Entrada libre, previa reservación

Más información sobre estos recorridos, grupos con necesidades especiales o escolares, favor de escribir al correo electrónico operaomnia@cenart.gob.mx

CONVERSATORIO
Perspectivas de la música antigua y del Renacimiento


En el marco de Opera Omnia. Las obras de arte en la era de la reproducción digital II y del Festival de Música Antigua, que cada año realiza el Cenart, se llevarán a cabo tres charlas cuyos ejes temáticos abordarán la importancia de la música antigua en la época actual, la divulgación y creación de nuevos públicos interesados en la salvaguarda de la música antigua y cómo se desarrolla la formación y especialización en este género musical.

SESIÓN I.
La importancia de la música antigua en la actualidad


Introducción al estudio a la música antigua, enfocada en explicar cuál ha sido la metodología de estudio que permitió ampliar los conocimientos sobre las creaciones musicales durante los siglos XIV y XV; adentrándose en la forma cómo los músicos de la época contribuyeron al ámbito artístico y cultural durante el Renacimiento. Además, se hablará sobre la importancia de la música antigua para el público contemporáneo y lo importante de su difusión para salvaguardar su estudio.

Jueves 2 de mayo | 19:00 h | Aula Magna José Vasconcelos | Entrada Libre, cupo limitado | Para público mayor de 12 años

Invitados: Rafael Sánchez Guevara y Roberto Rivadeneyra

Rafael Sánchez Guevara. Toca viola da gamba y violonchelo, enfocándose en la interpretación histórica de varios estilos musicales. Es Licenciado en Interpretación de Violonchelo por la UNAM y tiene Maestría en viola da gamba por la Universidad de Montreal, donde estudió con Margaret Little. Es integrante de La Fontegara, uno de los principales grupos de música antigua en México.

Roberto Rivadeneyra. Músico multifacético. Estudió violín barroco, música barroca y contemporánea, composición y teatro. Ha recibido varias becas y se ha presentado en festivales nacionales y de Perú, Francia, Venezuela y Estados Unidos. Es integrante de los grupos de música antigua Novum Antiqva Musica, TenteenelAyre, Capella Barroca y fundador del Ensamble Navío. Es maestro, asesor de la Academia de Música Antigua de la UNAM y diseña y dirige el proyecto de arte sonoro “Nomotrombo”.
SESIÓN II.
La creación de públicos para la música antigua en México


Espacio enfado en la forma cómo las últimas generaciones han logrado crear nuevos conceptos musicales, asegurando una larga estancia dentro del interés del público. Esto genera una problemática en contraposición con la música clásica y antigua, provocando cuestionamientos sobre el lugar que éstas ocupan en la actualidad y el camino que debemos seguir para lograr que su conservación y difusión vaya en aumento en el interés del público.

Jueves 9 de mayo | 19:00 h | Aula Magna José Vasconcelos | Entrada libre, cupo limitado | Para público mayor de 12 años

Invitados: Eloy Cruz y Mónica López Lau

Eloy Cruz estudió guitarra con Guillermo Flores y vihuela con Isabelle Villey. Es fundador de La Fontegara y de Tembembe Ensamble Continuo. Autor de La casa de los once muertos, historia y repertorio de la guitarra y de artículos sobre musicología e historia de la música, así como profesor de guitarra y música de cámara en la Facultad de Música de la UNAM.

Mónica López Lau. Su música abarca repertorios que van desde el Medioevo, Renacimiento y Barroco hasta la música contemporánea. Se formó profesionalmente en Europa y al regresar a México fundó la carrera de flauta de pico en la Escuela Superior de Música del INBAL. Es integrante del trío Perfectas Anónimas; de los ensambles Escarlata y Liminar, así como del Kaput Project-teatro de figura y música.
SESIÓN III.
La formación y la especialización de la música antigua en México


La música antigua europea tiene características únicas que la hacen diferente no solo ante los que la escuchan, sino que implica un método de estudio y un tipo de especialización que implica el conocimiento de los instrumentos de la época y en el caso de la voz, toda una colocación diferente para que el sonido sea fiel al que se produjo en ese momento de la historia. Una de las características de la música del renacimiento y el barroco es que muy poca de la música está registrada en papel, ya que la gran parte de la tradición musical se sostenía en una tradición oral. De esta forma los pocos registros con los que se cuenta tienen que ver con la música sacra, o se trata de interpretaciones de la poesía y la música popular de la que se sabe todavía muy poco.

En esta SESIÓN se abordarán las características específicas de la música antigua y del estudio de la misma, abordando la problemática en relación con la especialización en escuelas y agrupaciones. Por otra parte, se abordará la dificultad de recuperar el sonido antiguo y la relación con los descubrimientos en archivos, documentos, reseñas y literatura para reconstruir una tradición tan importante.

Jueves 16 de mayo | 19:00 h | Aula Magna José Vasconcelos | Entrada libre, cupo limitado | Para público mayor de 12 años

Invitados: Magali Gasca y Gabriel Díaz Cuesta

Magali Gasca estudió la Licenciatura en oboe moderno con Roberto Kolb en la UNAM. En el 2000 obtuvo el Diploma Maestra en Música por la Hogeschool Antwerpen, Bélgica. Entre 2006 y 2007 fue profesora de oboe en el Centro de las Artes de Utrecht, Países Bajos.

Gabriel Díaz Cuesta. Inició su formación vocal como parte del proyecto Coro Barroco de Andalucía. En 2005 se trasladó a Londres donde estudió en el Trinity College of Music. Ha cantado el rol de Andronico de la ópera Tamerlano de Händel en Poznan (Polonia) con la orquesta francesa Les Ambassadeurs bajo la dirección de Alexis Kossenko. Recientemente presentó un programa de cantatas Händelianas en el festival de Aix-en-Provence dirigido por Emmanuelle Haïm y cantó en la ópera Orlando de Händel en la Welsh National Opera (Reino Unido).

Presentaciones en vivo de Música Antigua

Miércoles 24 de abril | Shaoni Odette | Conservatorio Nacional de Música | Aula Magna José Vasconcelos | 17:00 h

Viernes 26 de abril | Ensamble Alio Modo | Conservatorio Nacional de Música | Aula Magna José Vasconcelos | 19:00 h

Viernes 3 de mayo | Ensamble de la Escuela Superior de Música, Dir. Jonathan Galicia | Aula Magna José Vasconcelos | 19:00 h

Miércoles 29 de mayo | Ensamble Persei | Escuela Superior de Música | Aula Magna José Vasconcelos | 19:00 h

Jueves 30 de mayo | Ensamble de la Escuela Superior de Música | Aula Magna José Vasconcelos | 19:00 h

Preguntas Frecuentes

Es una exposición con 60 reproducciones digitales de pinturas y frescos de tres grandes artistas del Renacimiento italiano: Giotto di Bondone (1267-1337), Piero della Francesca (1412-1492) y Sandro Botticelli (1446-1510), que presenta el Centro Nacional de las Artes (Cenart) en colaboración con la Rai (Radiotelevisione Italiana).

Cada uno de los cuadros que se presenta en esta muestra fue elaborado a partir de una fotografía en muy alta resolución de la obra original, que a través de un avanzado proceso tecnológico fue impresa en un lienzo del tamaño de la pintura real, apreciándose los mismos colores y tonos que presenta actualmente el original, e incluso las imperfecciones a consecuencia del paso del tiempo.

La técnica utilizada en estas reprografías posibilita observar una obra de arte tan cerca como solo los destacados críticos o expertos en arte pueden hacerlo, creando la ilusión de estar frente a la obra original.

La Radiotelevisione Italiana (Rai) mediante un proyecto que busca acercar las obras maestras de la pintura de su país al público de todo el mundo, ya que las pinturas originales se encuentran en diversos museos, distantes unos de otros, y por su valor histórico no es posible trasladarlas para presentarlas en ninguna exposición.

No, la Radiotelevisione Italiana es propietaria de todas. Incluso su traslado es asegurado, como toda obra de arte, y son empacadas en cajas especiales que protegen los lienzos y marcos de las reproducciones que formen parte de una exhibición.

La exposición Opera Omnia. Las obras de arte en la era de la reproducción digital II se presentará en las galerías del Cenart hasta el 16 de junio de 2019.

De martes a domingo, de 10:00 a 17:30 h

Lunes y días festivos permanecerá cerrada

La entrada es libre

En las galerías Central, Arte Binario y Espacio Alternativo del Cenart

Mapa de galerías

Si

Consulta el siguiente programa

En metro las estaciones más cercanas son General Anaya (línea 2) y Ermita (línea 12)

El Centro Nacional de las Artes se localiza en Avenida Río Churubusco 79, esq. Calzada de Tlalpan, Col. Country Club, Alcaldía Coyoacán, C. P. 04220, Ciudad de México. (Estacionamiento gratuito)

IMPORTANTE

No se puede entrar a las salas con mochilas y/o bultos grandes

Se prohíbe hacer fotografías en el interior de las galerías

No se permite ingresar a las galerías con alimentos ni bebidas

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Contacto

Si deseas obtener más información envía un mail a: operaomnia@cenart.gob.mx

Créditos

cultura

SECRETARÍA DE CULTURA

Alejandra Frausto Guerrero
Secretaria

Omar Monroy
Unidad de Administración y Finanzas

Natalia Toledo
Subsecretaria de Diversidad Cultural y Fomento a la lectura

Edgar San Juan
Subsecretario de Desarrollo Cultural

Antonio Martínez Velázquez
Enlace de Comunicación Social y Vocería


CENTRO NACIONAL DE LAS ARTES

Ángeles Castro Gurría
Directora General Adjunta

Alejandra Páramo Carranza
Subdirectora de Actividades Artísticas y Culturales

Irma Ortega Osnaya
Directora de Difusión y Desarrollo de Públicos

Adriana Casas Mandujano
Directora del Centro Multimedia

OPERA OMNIA

Curaduría
Antonio Paolucci

Museografía
Matteo Ive

Rai Com
Alessandro Ravani
Romina Ciaralli
Luigi Di Martino

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